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中国当代艺术名家——崔如琢

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崔如琢：美籍华人，著名书画家、鉴赏家、收藏家，1944年出生于北京。幼拜师郑诵先习字，长投李苦禅门下学画。 现任中国艺术研究院博士生导师，故宫学院中国画研究院院长。

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崔如琢绘画的艺术定位

乔 维

在美术史的发展过程中，总会呈现一些浑浊的状态，有的书画家把自己作品炒成天价，有的评论给出了众多书画“第一”的人比比皆是。每当看到评论某些书画大家，只要冠以“绝无仅有”的字眼，就会联想到过往的江湖术语。大凡标榜为“第一”或“绝无仅有”，不单纯是为了一种炒作，而是对书画艺术的无知无畏。最近在网上发现崔如琢先生的言论，他说：“在未来的十年，我要在国际艺术品市场上超越毕加索，超越梵高，超越西方所有的大师”。崔如琢能够宣称他的作品堪比毕加索，不是他的狂傲和自信，应该是他对书画乱象有清晰的认知，他深谙书画圈在乱局中求名利的途径，也深谙一些藏家兼炒家的复杂心理。当下的艺术家能够这样自喻自比，还是很少见的。客观上说，审视崔如琢先生的绘画艺术，相比一般画家的作品，因笔墨流畅和传统的韵味，作为知名画家可以说名实相符。是否能列入到大家之位，无论从学理或绘画技术的角度去看，还是相差很远的距离。

观察崔如琢的绘画艺术，如果从全貌的层面去探究，他通过多年的绘画实践，在技艺和对传统绘画理解上有很好的造诣。尤其是近年通过自媒体上的宣传，似乎在业内称之为最“金贵”的画家，从而引起书画市场的关注。实际上，崔如琢这些年的绘画题材，主要还是在传统上，没有以自我的笔墨去反映时代面貌，在气息上显得陈旧。他的绘画作品从整体面目属于比较平庸的，因结构和布局以及在章法上的熟练度，平添了一种写意的态势，从而展现了笔墨上的淋漓感。但距离“境生象外”的深层境界相差甚远，甚至被表象的淋漓掩盖了画境中细节上的劣势。他的画固守在墨韵的把玩儿上，类似于“小家碧玉”的审美模式，却达不到“大家闺秀”的豁达和境界。纵观崔如琢的绘画艺术，无论业内如何评说，学界给出多少的肯定或赞美，他的作品都无法抵达“臻于此境”的面目。从传承到时代性，从美学的历史进程中，从承前启后的审美价值，他的绘画很难走进美术史册的页面。

崔如琢能成为屈指可数的“天价”画家，首先肯定在某些地方有超于常人的路数，他以美籍华人的身份，游刃有余的行走在书画圈，且集聚了强大的人脉关系。又借助李苦禅高足的标签在画界奠定了基础，而又以世界各国元首和名流做背书，宣称他的画是如何的“炙手可热”。继而作品被各国元首及世界顶级的博物馆收藏，貌似全世界都对他的绘画情有独钟，他自称作品被收藏之多遍及欧亚美。与大多数画家相比，崔如琢先生能把艺术和社会学研究的通透，足以说明他画外的功力超群，可以说创造了艺术市场上的一个“传奇”。崔如琢的作品虽然构思独特、用笔豪放，但在某些方面存在一定程度上的模式化和套路，他的作品有时候过于追求表面的视觉冲击效果，而缺乏一些内在的思想深度和艺术内涵。他曾言辞：“中西合璧就是转基因”，但在创作意图上追求现代化的表现手法，又过度运用西方艺术中的技巧和语言，导致他的作品失去了传统文化的味道和特色。

事实上，能够真正懂得中国画，先要进入中国画的审美内核。更要悟透国画以诗为魂、书为骨、意为象的创作意图，这种表达恰恰是崔如琢作品最明显的软肋。即便中国艺术能够影响世界，世界的精英们不可能不懂艺术的共性，艺术的内核是一种精神的表述，是代表一个民族的审美与价值观。崔如琢的画看似辟出写意的路数，相对于艺术共性和认知欠缺着精神气质，从而模糊了审美意义上的民族符号。艺术是永无止境的漫长探索，能够代表民族的经典作品，会呈现出不同的面貌，但必须是裹挟着生生不息的灵魂和生命。崔如琢的画缺少理性与思想境界上的谋略，不能给予观者某种启迪和思考，或激发观者进入一种精神世界。古往今来，以科学的视角去审视艺术，艺术应该是感性的，但在复杂的社会变革中又以理性面貌出现。中国画的本质是一种意趣表达，是从感性意识递进到理性的思维过程，以趣味形式融入到一种高远的境界。绘画达到了某种意象化的艺术表达后，首要是如何去反映物象的精神展现，这恰恰是崔如琢作品上的短板。

毋庸置疑，崔如琢先生是一位比较优秀的写意画家。绘画根底承袭大家李苦禅的风格，只是在笔墨的实践中会显露出少许的浮躁，许是他急于求成的缘故，或在某种程度掩藏劣势的过程，笔势的行走略显慌张。他的作品布局和构造缺少磅礴的气息，看似渲染了情绪上的笔墨意图，因细节上的杂感和突兀破坏了某种意境。明代董其昌曾说：“画家以古人为师，已是上乘。进此，当以天地为师”，崔如琢的绘画虽有传承的根基，却少有生机灵动的自然天成，有博采众长的痕迹，少有浑然天成的大气象。从他的多数作品中，看得出他精于吸纳古今名家之长，却没能形成自己独立的绘画语言。尽管他积淀了很深的绘画技巧，但在实践中沿袭了格式化的程序，表现出了格调上的套路模式。如果依照美学基本的学理，唐代美术理论家张彦远在《历代名画记》曾表述，“昔谢赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔，三曰应物象形，四曰随类赋彩，五曰经营位置，六曰传模移写。自古画人罕能兼之”。彦远试论之曰：“古之画，或能移其形似，而尚其骨气。以形似之，外求其画，此难可与俗人道也——”。去对应崔如琢的作品，其间的笔墨或布局都会显现出某些不足，从学术的视角去梳理他的画作，明显的会感觉到有一种“赐墙及肩”般的存在。深度去解析崔如琢的绘画艺术，他对民族文化的精髓欠缺着某种悟透，因其在学养上的差异难以支撑到一定高度。所以，崔如琢的笔墨往往表现出飘忽不定的态势，布局和法度经常滞留在传统的框架内，他的画缺少朝气蓬勃的新气象，无法展开潮涌般的时代审美意识。

再以五代荆浩《笔法记》中的笔势解读：“凡笔有四势：筋、肉、骨、气。笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不败谓之气”。去对照崔如琢的写意绘画，他的笔势缺少某种柔韧的灵动性，笔法看似娴熟且带有节奏感，却少有连绵起伏的墨趣效果。诚然，从传统的角度去审视崔如琢的画，构图及笔墨的成形都比较流畅，也会相互统一到大写意的范畴。但捕捉他绘画艺术的内在功力，技术上无创新和突破，他的画有承袭古人的意识，无启迪后人的说教，上升到美学层面就会显示出薄弱。笔势并不取决于笔墨上的收与放，而是体现作者个性、气质、品位等综合素质的展现，所谓的“势”不仅仅是豪放和苍劲，而是作品生命气息的一种绽放。纵观美学史上的经典范例，无论气势恢宏或墨韵生动，都因气势融合了高远的意境，才会释放出精神的面貌。鉴赏一幅书画作品，从笔意的审美到技艺上精细，笔势效果的好坏是构成作品成败的直接因素。洞察整个美术史，笔墨的豪放与细微达到浑然一体，才具有形势上的美感，方可表现笔势上的鬼斧神工，也会自然的勃发出生命气息。读古人佳作，董其昌的清新淡雅，八大山人的静穆与疏旷，吴昌硕的磅礴与浩荡，黄宾虹的厚重和温润。所有的大家作品，都有一种特质的符号，就是笔势裹挟着心胸和气质，以及个性语言的独立性。从某种意义上看崔如琢的作品，缺失的不仅是独立的笔墨符号，主要缺少的是承前启后的学术价值。

反观崔如琢所师承的大家，李苦禅的雄浑与豪放，笔墨的淋漓而韵致，在质朴和平实中又妙得天趣，奔放洒脱且神情兼备。齐白石的简练生动，意境淳厚而朴实，都体现到情趣与精神的高度统一。正如石涛所言“精神灿烂出于纸上”。再回看崔如琢的绘画，评论界给出的：独领风骚，真力弥漫，气势撼人等等，说明学界弥漫着一种虚假的“玄幻”之风，“指鹿为马”的恶习混淆在学界，让艺术发展无法走进至高的境界。崔如琢在书画市场的天价招牌，不能代表他在艺术领域上的成就，两者不可一概而论。有市场的画家，并不是艺术水准达到了某种高度，多数都是靠宣传和经营手段发挥了作用。目观当下，具有深厚绘画实力的书画家，往往市场上并不看好。除了官本位给市场造成混乱外，关键是时代审美的不确定性，诱导了对艺术鉴赏的错位。因此，在重视书画艺术的研究中，观其作品是否能看到有创新的面目，才是当代中国画的发展途径。以市场价位来取决于一位画家的水平，相对而言是一种最不靠谱的表现。艺术与市场有时会发生某种对立和矛盾，具有扎实功力的书画家，未必在市场上能有很高的价位。在市场上呼风唤雨的，不全是凭借艺术实力说话。评判一位书画家的艺术定位，必须是依托全面的艺术修养作为基础，方可判定其价值的标准。

诚然，公允的去看待崔如琢先生的绘画艺术，不可否认的是，他算得上一位优秀的画家。他的画能收放自如，笔墨流畅而无造做之态，他擅长于让写意的笔墨自然奔放，能抵达到传统中的简朴古拙。值得赞赏的是他绘画小品，精湛而清新雅致，有的小品画可以说充满意趣。只是他的大幅作品，因美学底蕴的欠缺，貌似淋漓酣畅而少有妙意横生的境界，更不要去寻找思想上的深邃性。在巨幅作品面前无论怎样挥洒自如，亦无精奇生动之美，也难以形成气象恢宏之势。他的绘画也许给历史提供了一个“特例”，而不能达到时代性的某种学术高度。因此，崔如琢的绘画艺术，定位到优秀的写意画家之列，从某种意义上还说的过去，如果硬撑上大家之位，勉为其难。以市场运作的天价评判，只能是混淆艺术的真正价值，同时在美术发展史上，会成为过往云烟般的笑话。

（乔维：作家、学者、中国当代艺术评论家、《当代美术大家批评》专栏作者，中国书画影视艺术中心主任。）

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